BABEL

4 estremecedoras historias

Cuando falta menos de un mes para la celebración de la ceremonia de los Oscars -si la huelga de guionistas lo permite-, cabe recordar una de las películas más nominadas del año pasado: Babel, de Alejandro González Iñárritu. Sin embargo, de sus siete nominaciones, tan sólo consiguó el premio a la mejor banda sonora.
Babel es un drama que cuenta cuatro historias ambientadas en Marruecos, Méjico y Japón sobre cuatro familias. Dos niños marroquíes que juegan en medio del desierto con una escopeta hieren a una mujer estadounidense que viaja con su marido por el país. Sin embargo, el alcance de esta bala será mucho mayor de lo que esperaban. Mientras, una mejicana vuelve a su tierra con dos niños estadounidenses para asistir a la boda de su hijo. En la otra parte del mundo, en Japón, una adolescente sordomuda y rebelde intenta afrontar los problemas de comunicación que tiene con su entorno.
Babel es una película dramática, que narra hechos desgarradores, que hacen sentir a quien la ve la angustia que están viviendo los personajes. Aunque la historia japonesa no está tan perfectamente enlazada con las otras, de manera independiente, la narración y la composición son brillantes.
Además, la película cuenta con grandes actores como Brad Pitt, Cate Blanchett y Gael Gacía Bernal que consiguen hacer más creíble la historia. A pesar de ser larga, de casi dos horas y media, los cambios de localización y cronológicos hacen que sea más llevadera e impiden que el público se canse, aunque en ocasiones resulta un poco difícil de seguir.
Lo mejor es la música y la estética que escenifican las distintas culturas que aparecen en la película. Muestran mundos muy distintos pero unidos en cierto modo en la desesperación de sus personajes. El Oscar a la mejor banda sonora es merecidísimo, ya que la elección de las canciones es muy acertada y éstas encajan a la perfección en cada momento con el ritmo del film.

BOBBY

Casi perfecta.

Debo reconocer que lo primero que pensé al empezar a ver la película fue que debió costar un 'dineral' llevarla a la práctica. ¡Qué reparto! ¡Sorprendente!  

Emilio Estévez se nos descubre como un gran director, capaz de reflejar el trasfondo social de la América de los sesenta. En plena guerra de Vietnam, cuando los americanos parecían haber integrado, aparentemente, en su sociedad a la raza negra, los 'chicanos eran los nuevos marginados. El Hotel Ambassador es el escenario donde se cruzan las vidas de todos los personajes la noche del asesinato del senador de Estados Unidos, Robert F. Kennedy, hermano del presidente J.F.K. y candidato a la presidencia del país. Los discursos de 'Bobby' son el hilo conductor de la narración. Se introducen dando a la producción un semblante documental. 

Las pequeñas historias nos muestran el racismo, la precariedad laboral, las drogas, los jóvenes que no querían ir a la guerra, etc. Anthony Hopkins, Helen Hunt, Demi Moore, Martin Sheen, Heather Graham, Sharon Stone, incluso el conocido 'hobitt' (Elijah Wood); todos ellos tienen pequeños papeles, son pequeñas pinceladas que colaboran en la creación de un film extraordinario. A gusto de los paladares más exquisitos. 

Bobby, está cargada de denuncia social, de historia, pero también puede sorprendernos porque no es una película más. 

MATCH POINT

En los últimos años parece inevitable hablar de una película en la que no aparezca Scarlett Johansson. En Match Point, ella y Jonathan Rhys Meyers protagonizan una historia de enredos sociales dirigida por Woody Allen. Evidentemente decir que en una película de Allen no hay enredos amorosos es inimaginable, es el creador de esta género, en realidad es el creador de un género propio. Match Point añade un toque siniestro que se descubre al final de la historia, al estilo de las novelas románticas de trágicos desenlaces. 

Debo reconocer que no es de las películas que más me apasionan de este gran director. sin embargo, la construcción de los personajes es todo un arte. Acabé odiando a Rhys Meyers y la jovencita Johansson, que al principio me pareció demasiado provocadora termina, por darme lástima. Y si el 'quid' de una película buena es provocarte emociones; bueno, ésta me las provocó. 

El film refleja la alta sociedad londinense reacia a introducir en su círculo a personas de estratos sociales más bajos. Criticable: el ritmo. Demasiado lento al principio y muy rápido al final. 

DIARIO DE UN ESCÁNDALO

Una retorcida historia de amor, desamor y obsesión

Barbara es una solitaria profesora cerca de la jubilación que, ante la monotonía de su vida, escribe en su diario sobre las personas que le rodean. Con la llegada de Sheba, una atractiva profesora de arte, Barbara se convierte en su confidente y empieza a obsesionarse con ella, ya que ve en Sheba su alma gemela y la amiga que siempre ha estado buscando. Sin embargo, cuando Barbara descubre que su nueva amiga mantiene una tórrida su relación empieza a cambiar y ésta amenaza a Sheba por descubrir su secreto.
La verdad es que el argumento de Diario de un escándalo, basado en la novela de Zoë Heller es bastante siniestro y retorcido, pero el resultado es bueno. Uno de los puntos fuertes de la película son las interpretaciones de sus dos magníficas protagonistas, Judi Dench y Cate Blanchett, que obtuvieron la nominación para el Oscar a la mejor actriz y mejor actriz secundaria, respectivamente.
Las personalidades de Barbara y Sheba son totalmente distintas, pero complementarias y crean un juego que encaja a la perfección. Por un lado, Barbara es de personalidad fuerte, manipuladora y disciplinada. Pro el otro, Sheba parece frágil, maleable e incapaz de controlar sus impulsos. Sin embargo, ambas son víctimas de sus pasiones incontrolables.
A pesar de la enrevesada trama, propia de un auténtico culebrón, Richard Eyre ha conseguido darle un toque elegante y delicado a la cinta. Además, la narración de la historia a través del obsesivo personaje de Judi Dench ayuda bastante.
En definitiva, una película que puede llegar a engancharte y hacerte pasar un buen, aunque siniestro, rato con unas interpretaciones magníficas. Las historias de relaciones tormentosas siempre acaban funcionando.

A GOOD WOMAN

El peligro de dejarse llevar por las apariencias. 

Fantástica interpretación de Helen Hunt. Debo reconocer que la principio me creí la historia de principio a fin, tal y como se la creían los adinerados amigos del joven matrimonio formado. Scarlett Johansson, la recién casada hace de novia enamorada y segura de su marido, pero las malas lenguas hacen que pierda la confianza en él. Desde luego, estoy un 'pelín' cansada de la cara de niña buena de esta chica, hasta cuando hace papeles de malvada tiene cara de buena (¿será por el topicazo de angelito rubito de ojos azules?). Deberían sacarle más partido a sus dotes de interpretación (ya que según Woody Allen es toda una revelación, su nueva musa). Por otra parte Hellen Hunt tiene un papel no muy complejo pero es fantástico ver como el paso del tiempo la va convirtiendo en mejor actriz y puede hacerse pasar por amante de un chico de 20 años sin problemas.

En cuanto a la trama, tampoco es una revolución de ingenio, una historia más de enredos amorosos y familiares.

La localización en Italia le da un aire elegante, y me sorprendió comprobar que era una producción de Gran Bretaña, Italia, España, Luxemburgo y USA, ya que me parecía una película con un estilo americano- inglés evidente. Fue una grata sorpresa comprobar que los españoles habíamos puesto nuestro granito de arena.  

Por otra parte, me pareció adorable la interpretación de Tom Wilkinson, probablemente por el papel de adinerado despreocupado y casi 'abuelete' que interpreta y al que, al menos yo, no estoy acostumbrada.

LA SONRISA DE MONA LISA

La universidad de la buena esposa.
En el encantador entorno de la Universidad de Wellesley conviven las futuras mujeres de los dirigentes del mañana, allá por la década de los 50. La Sonrisa de Mona Lisa está ambientada en 1953, cuando la mujer empezaba a emanciparse y cuando el divorcio era un pecado mortal que te perseguía de por vida. Mikie Newell pretende reflejar en esta época de cambio social un entorno en el que perviven las viejas costumbres por encima de todo.
Sorprende la mentalidad de estas jovencitas estadounidenses con una inteligencia portentosa y con una única meta en la vida: encontrar el marido perfecto. En la primera clase de la profesora Katherine Watson (Julia Roberts) ya podemos ver de qué pie cojean estas mujeres: no piensan por sí mismas, son muy aplicadas y responsables, de las que memorizan los contenidos de las próximas clases y saben responder a todas las preguntas, ahora bien, cuando algo se sale del programa su mente se bloquea. Son, como he dicho antes, muy inteligentes y saben pensar por sí mismas pero... En su sociedad no está bien visto que una mujer se dedique a estas labores dejando a un lado la tarea para la cual ha sido criada: ser la mujer perfecta.
La película nos hace reflexionar sobre la condición de la mujer en la sociedad. Pero la progresista y liberal profesora Watson, aunque acertada en sus argumentaciones, está justo en el lado opuesto y "los extremos nunca han sido buenos". Creo que una de las muchachas, la interpretada por Julia Stiles, le da una lección cuando reconoce que a pesar de su inteligencia, de tener la posibilidad de entrar en Yale para estudiar Derecho (en una época en la que Yale sólo ofertaba 4 plazas para mujeres), con una mente privilegiada, decide dejarlo todo para tener una familia. Esta jovencita decide libremente su futuro y en él quiere una familia por encima de todo, y aunque hoy en día pensamos que la familia no está reñida con el trabajo y que la mujer puede estudiar, trabajar y ser madre, lo cierto es que hace 50 años no se pensaba así. Y lo que ahora vemos tan normal debe encerrar también sus inconvenientes, puesto que constantemente estamos hablando de la conciliación laboral como uno de los problemas de la sociedad actual, quizá algunas se hayan obcecado tanto en labrarse una carrera profesional de éxito que han dejado la familia en un escalafón muy bajo en su lista de prioridades. Y puede, sólo puede, que al final de nuestras vidas no sea el trabajo lo que nos hace felices sino las personas que nos rodean, aquellas a las que llamamos "familia".
Debo reconocer que la película tiene momentos 'desquiciantes' para una mujer liberal del siglo XXI, que lleva muchos años luchando por conseguir su independencia.

En cuanto a la técnica: es una película más. Tiene una buena ambientación pero nada más.

ESPLENDOR EN LA HIERBA

Una historia de amor frustrado
Anoche La Sexta emitió el documental "Expediente 121: La Censura en el Cine" donde se muestran los cortes que sufrieron muchas películas debido a la censura franquista. En el documental podemos observar cómo los censores despedazan algunas de las obras maestras del cine, que en muchas ocasiones pierden sentido debido a los cortes. Una de estas películas censuradas en la época franquista es Esplendor en la hierba, una de las grandes obras maestras de Elia Kazan.
"Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello que en mi juventud me deslumbraba, aunque ya nada puede devolver la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no hay que afligirse, porque la belleza siempre subsiste en el recuerdo." Estos versos, pertenecen a la Oda a los signos de la inmortalidad de WilliamWordworth e inspiraron a William Inge a escribir esta obra sobre una historia que había oído cuando era niño en su pueblo natal.
En torno a estos versos y el paso del tiempo, la cinta muestra la historia de amor entre dos jóvenes ambientada en los años del Crack de la Bolsa. Se trata de un drama dentro de otro drama: por un lado, el azote de la depresión económica en EEUU y por otro, las dificultades de un relación amorosa truncada por los conflictos generacionales, las pasiones reprimidas y "el qué dirán".
Esplendor en la hierba supuso para sus protagonistas un gran éxito: consiguió relanzar la carrera de Natalie Wood, una niña prodigio de la escena venida a menos, y el debut en el cine Warren Beatty, un atractivo y prometedor actor de teatro. La actuación de ambos es desgarradora y complementaria: ella, sensible, puritana y de origen humilde, él, más frío rebelde y con buena situación económica. Pero ambos se encuentran perdidos y contrariados y cuando hay tantos problemas, el amor no es suficiente.
Una cosa que nos puede llamar la atención es el contraste entre mentalidades: la película fue estrenada en 1961, pero refleja la sociedad estadounidense de finales de los años 20, principios del 30. Además, existe un contraste entre los padres e hijos, siendo éste uno de los ejes de la narración. La forma de pensar de un joven en el siglo XXI dista mucho de la de los protagonistas, por lo que podría dar lugar a cierto "desfase" a la hora de meterse en la historia. Sin embargo, a pesar de los múltiples fallos de raccord y algún que otro descuido, Kazan consigue adentrarnos en esta época y estos caracteres un tanto lejanos para nosotros a través de una cuidada ambientación y las excepcionales interpretaciones. No es de extrañar que Natalie Wood fuera nominada para la estatuilla más preciada del cine.

LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS

Uno de los papeles más entrañables de Fernando Fernán-Gómez
Esta semana el cine español ha perdido una de sus figuras más relevantes, ya que el pasado miércoles falleció Fernando Fernán-Gómez. Su faceta más conocida era la de actor, pero también era un gran director, con películas como La venganza de Don Mendo, guionista y escritor. Además, ocupó el sillón de la letra B de la Real Academia Española. Su extensa carrera cinematográfica abarca casi desde los inicios de nuestra historia del cine, adaptándose a los cambios que han llegado a la industria a lo largo de los años.
Una de las mejores películas de los últimos diez años es La lengua de las mariposas, cinta que cuenta con el aval del director José Luis Cuerda y el guionista Rafael Azcona. Por su parte, Fernán-Gómez está magistral, mostrando su lado más cercano.
La cinta muestra la tierna relación entre un niño de 8 años y su maestro poco antes de comenzar la Guerra Civil. Con la llegada del 18 de julio de 1936, todo se rompe para dar lugar a un cruda realidad.
El ritmo de la película es lento, pero lo es en su justa medida, ya que la historia lo requiere y no se hace larga. La música encaja a la perfección con el ambiente y el resto de actores no lo hacen mal. Todo un conjunto de varios elementos como estos consiguen que a lo largo de toda la historia nos encariñemos con los personajes y nos relajemos. Esto hace que la llegada de la guerra nos azote con más dureza, mostrándonos la división de la sociedad española en dos grandes grupos. Muchos de ellos, debían decidirse entre vivir en la hipocresía o sufrir las "consecuencias" de expresarse con libertad, hecho que La lengua de las mariposas refleja a la perfección.

EN BUSCA DE LA FELICIDAD

Cómo llegar a ser alguien en la vida

Will Smith encarna a Chris Gardnet, un vendedor que se esfuerza por cumplir un sueño que parece inalcanzable: llegar a ser corredor de bolsa. Esto no va a ser una tarea fácil, ya que a sus graves problemas económicos hay que sumarle la responsabilidad de mantener a su hijo de seis años. En busca de la felicidad es una película que nos inspira para luchar por nuestros sueños y demuestra, ya que está basada en una historia real, que para conseguir nuestros propósitos debemos ser perseverantes y no rendirnos ante la adversidad.
La verdad es que a cada tropiezo en la batalla que trata de ganar el protagonista del film, nos hace sufrir con él, sobre todo gracias a la impecable interpretación de Will Smith, merecedora de una nominación al Oscar. El pequeño Jaden Smith, hijo del protagonista en la vida real y en la pantalla, debuta en el cine con una interpretación enternecedora. La película está repleta de situaciones dramáticas en la que el padre demuestra su amor y dedicación al pequeño, que aunque en cierto modo pueden resultar un tanto melosas, no dejan de ser entrañables.
En busca de la felicidad está basada en la biografía del protagonista. No sé hasta qué punto el guión cinematográfico es fiel a la historia real, pero la hazaña de Gardner no carece de mérito. Muchos de nosotros nos hubiésemos rendido ante el primer obstáculo. Y es que llegar a ser alguien en la vida hay que ganárselo a pulso.

NUEVE VIDAS

La desesperación de nueve mujeres

Tras Cosas que diría con sólo mirarla, el cineasta Rodrigo García continúa contando pequeñas y emotivas historias en torno a las mujeres. En Nueve vidas repite con algunas actrices como Glenn Close, Amy Brenneman, Kathy Baker o Holly Hunter, que consiguen transmitir a la perfección la desesperación de sus personajes, que están perdidos en un laberinto de relaciones pasadas y presentes que les impiden encontrar la felicidad. Las nueve actrices, con personajes muy distintos pero con un fondo común, quedan elevadas a un mismo nivel, sin que las más conocidas destaquen sobre las menos famosas: todas ellas brillan en el firmamento de su relato.
Una de las cosas que más llaman la atención es que cada historia está rodada en un mismo plano secuencia, dando lugar a unos juegos de steadycam bastante logrados. Además, la protagonista de cada una de ellas se cruza con algunas de las protagonistas de los otros relatos de forma casual, hecho que ayuda a entrelazar la historia. La narración de las pequeñas muestras de las vidas de estas nueve mujeres está cuidadosamente construida y el guión demuestra que el director colombiano, guionista a su vez de Nueve vidas, ha heredado el talento literario de su padre, Gabriel García Márquez.
A pesar de ser un film profundo y bello en su esencia, en algunas ocasiones se pierde en las profundidades y puede llegar a resultar algo lento, pero nos invita a reflexionar sobre los pequeños dramas de la existencia, cosa que hace que merezca la pena verla.

LA CUARTA PLANTA: SOBREVIVIR CON 14 AÑOS Y CÁNCER DE HUESOS

Mercero es el director de esta cinta llena de sentimientos y de humor al mismo tiempo; humor si es que se puede hablar así cuando se cuentan las vivencias en un hospital de unos chavales de 14 de años que padecen cáncer. Producida por BocaBoca obtuvo premio al mejor director en el Festival de Cine de Montreal y premio del público en la Mostra de Cinema del Mediterrani de Valencia.

Albert Espinosa le ayuda al director en la elaboración del guión; el haber pasado por las experiencias que se cuentan en un film -Espinosa padeció cáncer a esa edad- siempre acerca mucho más la historia a uno mismo y por tanto aumenta la facilidad para transmitir emociones a los espectadores.

No es una película triste y desesperanzadora; al contrario está realizada en clave de relativo humor y sacando todo lo bueno de una situación así. De todas formas queramos o no el tema es muy duro, como lo es el momento en que uno de los chavales, al ver desde una ventana del hospital a otros chicos corriendo y jugando al futbol, le pregunta a otro: “¿Por qué nosotros estamos aquí y ellos ahí?”; el otro le contesta: “Nada, nosotros hemos tenido mala suerte”.

Los cuatro chavales lo hacen muy bien, pero el protagonista, Juan José Ballesta -”El Bola”- lo borda. Ballesta ya ha demostrado en varias ocasiones que, a pesar de su juventud, es un extraordinario actor; y esta vez no se ha quedado corto y lo ha vuelto a demostrar. Esperemos que su nuevo papel de papá en vida la real lo sepa desarrollar tan bien como los del cine.

En definitiva Mercero no defrauda en la cinta, y sigue en su línea de buen cineasta. Trabajar con niños nunca se le dió mal; de hecho todos recordamos el mítico “Verano azul” o la récord de audiencia “Farmacia de guardia”.

EL ÚLTIMO REY DE ESCOCIA

El último rey de Escocia, una película que no nos deja indiferentes. Galardonada con el Oscar a Mejor Actor en 2006(Forest Whitaker) y el Globo de Oro a Mejor actor drama (Forest Whitaker). Un recién licenciado en medicina (James McAvoy) en Escocia decide desviarse de las directrices de su familia para emprender una aventura increíble en Uganda. Por casualidades de la vida este joven novato se convierte en el médico personal del nuevo presidente de Uganda, Idi Amin (Forest Whitaker), un presunto analfabeto de 1'93 de altura que pesaba más de 100kg y que conseguía todo lo que quería sin preguntar. Fue uno de los más sanguinarios dictadores del siglo XX.
Lo mejor de la película: la interpretación de Forest Whitaker. Mejorable: la actuación de James McAvoy. Sorprendente: ver a Scully (Gillian Anderson) fuera de Expediente X.

EL SUEÑO DE CASSANDRA

¿Hasta dónde estás dispuesto a llegar para alcanzar tus sueños?


El sueño de Cassandra (Cassandra’s Dream) es el velero de dos hermanos en el que comparten sus ilusiones y sueños. Pero… ¿qué harán para hacerlos realidad? Lo nuevo de Woddy Allen deja atrás algunos de sus temas típicos para tratar otra de las obsesiones del cineasta: la culpa. Este tema ya lo había tratado en Delitos y faltas y en Match point más recientemente, pero en esta ocasión quiere profundizar en el tema y trata de sacar a la luz todos los aspectos que un crimen conlleva, recordando el clásico de Dostoievki Crimen y castigo. Quizás a muchos espectadores les ha parecido un tanto lenta y aburrida, sobre todo si no son muy seguidores del neoyorquino. Entre sus seguidores puede que también haya gustado poco el Woody Allen más dramático. La critica tampoco se ha entusiasmado mucho por esta película. A pesar de todo ello, yo he de reconocer que a mí me ha gustado. Evidentemente, ésta no es de sus mejores películas, pero tiene muchos elementos que la hacen entretenida y de calidad, como numerosos guiños de su particular humor negro a lo largo de toda la cinta, una estupenda banda sonora y el dominio de la pausa para dar tensión narrativa. Y no sólo te hace pasar el rato, sino que también te invita a plantearte cuestiones filosóficas y morales: ¿qué hubieras hecho tú y cómo conllevarías tú la culpa?